플레어와 미니 : 왜 반세기 전에 패션이 필요한가요?

지난 몇 년 동안의 패션은 현실과의 접촉을 잃어버린 것에 대해 비난 받았다. 비평가 케이티 호린 (Katie Horin)은 개념 대신 편안함을 선택해야한다고 주장했고, 패션 관련 독자는 각 총격 사건, IT 착용의 방법 및 이유에 대해 당혹스러워했으며 현대인의 추세가 어떻게 "보통 사람"의 삶과 관련되는지 궁금해했습니다. 패션, 관심, 홍보 및 생생한 잡지 총격 사건의 급속한 매력에 판매에 관심, 따라서 보트를 너무 많이 흔들어. 디자이너는 안드로시아나에서 밑줄 친 섹슈얼리티, 유행병과 유머 감각, 스포츠 라이프 스타일과 거리 문화에 대한 열정에 이르기까지 극단에서 극단으로 돌진합니다. 이러한 모든 추세는 지난 2 년 동안의 단편 일뿐입니다. 실제로는 지난 반세기의 사회 문화적 현상을 반영합니다.

우리는 시대의 정신에 반응하는 정신 분열증적인 방식으로옵니다.

시대 별 에포크 (Epoch)에 따라 디자이너들은 점점 더 축적되어 온 과거의 패션에 대한 경험과 유산을 다시 생각하게되었습니다. 그 결과, 우리는 정신 분열증과 혼합 된 사상에 빠지게되었습니다. 이것은 정신 분열증에 해당합니다. 우리는 모든 취향에 맞는 스타일과 트렌드를 선택할 수 있으므로 서로를 빠르게 대체 할 수 있습니다. 보통 구매자는 쉽게 혼란 스럽습니다. "패스트 패션"이라는 개념은 우리가 점점 더 자주 소비하도록 요구합니다. 그러나 범용 및 실용적인 의류를 비롯한 황금색의 문제는 2015 년에도 열려 있습니다.

사실, 우리 모두는 단순하지만 지루하지 않고 섹시하지만 천박하지 않고 여성적이지만 평범하지 않고 다재다능하지만 결합하기 쉬운 지나치게 남녀적인 옷을 필요로하지 않고 아침부터 저녁까지 일할 수 있고 파티에서 일할 수 있습니다. . 유토피아처럼 들린다. 그러나 한때 생각했던 옷이었습니다. 60 년대 중반부터 70 년대 중반까지 획기적인 10 년을 보냈습니다. 아이디어의 위기로부터 벗어나기 위해 패션 디자이너들이 그녀를 바라 보았다는 점은 주목할만한 사실입니다.

60 년대까지, 동일한 유행을 묘사 한 유행은, 많은 부유하고 엘리트 원형이었다. 어머니, 할머니, 딸은 가족이 어느 사회 계층에 속해 있는지에 따라 종종 동일하게 보입니다. 디자이너가 만든 것들은 실용성과 다재 다능 함을 암시하지 않고 대신에 가장 복잡하고 제약적인 움직임이었습니다. 그러나 이것은 결코 패션 하우스의 고객의 라이프 스타일에 모순되는 것은 아닙니다. 그러나 그들은 60 년대 젊은이로 대체되었습니다. 50 대 초반의 폭력배와 저항 세력에 영감을받은 활동적인 라이프 스타일을 가진 세대입니다. 부모님의 외모를 비롯하여 모든 것이 부모님과 달랐으며 동시에 편안한 옷을 입고 싶어했습니다. 실용적이고 유행의 옷장에 대한 요청이있었습니다.

이 분야의 개척자는 이브 생 로랑 (Yves Saint Laurent) 시대의 주요 디자이너 중 한 명이었습니다. 1958 년 디올의 데뷔 무대에는 이미 사다리꼴 드레스가 포함되어 있었으며 1960 년 컬렉션은 "Hipster"라고 불렸고 가죽 자켓과 스커트, 짧은 재킷 및 터틀넥으로 구성되었습니다. 단순함으로 Eddie Slimane이 반세기 뒤 가죽 자켓과 가죽 치마로 Saint Laurent 데뷔 한 것과 같은 방식으로 고객에게 충격을주었습니다. 그러나 변화에 대한 존경받는 고객은 아직 준비가되지 않았기 때문에 그들을 적개심에 빠뜨렸다. Saint-Laurent 이문화 수집 이후 Pierre Berger가 개입 할 때까지 업무가 중단되었습니다. 몇 년 후 디자이너가 자신의 직책으로 돌아 왔습니다.

60 년대와 70 년대 - 실용적이고 세련된 디자인 분야에서의 획기적인 시간

60 년대 중반부터 70 년대 중반까지의 시대는 모든면에서 혁신적이었습니다. 우선, 디자인 분야에서 획기적인 발전이있었습니다. 기하학적 인 컷의 아름다움과 정밀성이 나타 났지만 생산의 단순성이있었습니다. PVC, 비닐, 고무, Lurex, 금속, 심지어 막대 모양의 새로운 소재가 사용되었습니다. 우리는이 모든 것을 60 년대 중반 미래의 디자이너 인 Andre Kurreux, Paco Rabanne 및 Pierre Cardin이 이끄는 Rudi Heinrich에게 빚지고 있습니다. Paco Rabanne은 산업 자재의 사용에 혁명을 일으키고 있으며 Andre Cours는 르 코르뷔지에 (Le Corbusier)의 건축물에 깊은 인상을받은 원피스를 만듭니다. 그들은 최소한의 것들을 다양하게 준비했습니다 : 실루엣 드레스, 바지, 짧은 스커트, 스키 스웨터, 민소매 드레스. 디자이너들은 확신했습니다. 이것은 미래의 여성이 전기 자동차에서와 같이 보일 것입니다. 현대 컬렉션으로 판단하면 올바른 것으로 밝혀졌습니다. 동시에 세계를 따라 잡는 동시에 "덜 좋아진다"는 아이디어가 있습니다. 전설적인 미니 스커트는 1964 년 André Kurrej에 의해 파리에서 제안되었으며, 그 다음 런던의 Mary Quant과 뉴욕의 Betsy Johnson이 그 뒤를이었다.

현재 기성품 의류 시장의 형성과 소매업 혁명이 일어나고있었습니다. 모든 새 항목은 극도로 기능적이며 단순하므로 수요가 많았습니다. 젊음을 채워주는 상점들이있었습니다 : 런던의 Biba와 Bazaar, 뉴욕의 도구 용품. 쇼핑은 새로운 종류의 여가로 변해가고 패션은 일상 생활의 일부입니다. 런던에 바자 매장을 오픈 한 메리 쿠 안트 (Mary Cuant)는 엄청난 규모의 선반을 채울 길을 찾고 있었고, 그 방법으로 놀기 쉽고, 실용적이며, 서로 쉽게 결합 된 옷을 만들기 시작했습니다. 물건들은 단순히 산업 규모뿐만 아니라 집에서도 반복되도록 맞추어졌습니다. 그 결과, 1967 년 런던에서 30,000 개가 넘는 Mary Quant 미니 스커트가 판매되었지만 패스트리터 자신이 얼마나 많은 수의 사본을 꿰맬 수 있는지 추측 할 수 있습니다. 시대는 바뀌었고 1968 년 발렌시아가 (Balenciaga)는 패션계의 문을 닫습니다. "스트리트 패션은 최고를 망쳤습니다."

60 년대 후반의 디자이너들은 사물뿐만 아니라 미리 만들어진 이미지도 팔아야한다는 것이 중요합니다. 메리 Cuant 미니 스커트 컬러 스타킹의 생산을 시작하고 또한 장식 화장품 라인을 시작 메리 퀀 화장품. 그녀의 라인에는 여러 가지 색의 아이섀도, 립스틱, 방수 마스카라 "Crybaby"(1966 년에 판매 된 "Peel"을 제거하기위한 그녀의 "Make up in love")에 대한 내용이 포함되어 있습니다. 나중에 Max Factor가 개발 및 기술에 적용되었습니다. 사다리꼴 드레스를위한 비달 사순의 헤어 드레서 퀀트는 기하학적 인 짧은 헤어 스타일로 생겼습니다.

조금 후에, 70 년대 초반에 미국의 디자이너 Roy Halston Frouick과 Calvin Klein은 셔츠, 바지, 스커트, 신중한 외장 드레스를 기반으로 여성용 옷장에 대한 아이디어를지지합니다. 1972 년 다이애나 폰 퍼 스텐 버그 (Diana von Furstenberg)는 그녀의 의상을 냄새와 함께 저녁 의상으로 빠르게 바꾸는 문제를 해결합니다. 편안한 니트웨어가 시장의 필수적인 부분으로 자리 잡고 있으며 Itoni의 리더는 Missoni 이탈리아 사람과 새로운 디자이너 Sonia Rykiel입니다. 가장 실용적인 것은 여성의 대량 패션 바지에 들어갑니다. 그리고 한 번에 모든 스타일의 스타일을 사용할 수 있습니다 : 넓고, 짧아 진, 파이프, 플레어. 오늘날, 바지트 옷은 각각의 옷장에 있지만, 1966 년 최초의 여성용 턱시도 이브 생 로랑 (Yves Saint Laurent)이 충격을주었습니다.

새로운 유행은 실용성의 원리뿐만 아니라 대답했다. 60 년대의 사다리꼴 드레스는 허리에서 엉덩이로 강조점을 옮겼고, 자유롭게 움직이고 무조건적인 포즈를 취할 수있게되었으며, 이는 성적 혁명과 새로운 해방의 물결과 조화를 이룬 것으로 판명되었습니다. 그러나 60 년대의 다목적 성은 중성 색을 의미하지 않으며, 지금은 종종 가장 기본적인 옷장을 대표합니다. 그와 반대로, 동시에 색채의 열이 세계를 뒤덮었습니다. 컬러 텔레비전의 출현으로 패션을 포함하여 모든 곳에서 색이 지배합니다. 그린, 옐로우, 레드 드레스, 오렌지 스타킹, 퓨셔, 아우터웨어의 블루 - 60 년대의 디자이너들은 색상과 프린트를 선택하는 데에 대해 수줍어하지 않습니다. Emanuel Ungaro와 Kenzo Takada는 서로 다른 리듬, 셀, 완두콩의 스트립을 결합한 최초의 제품이며 청소년들이 능숙하게 따라갑니다. 아프리카 계 미국인의 민권 운동이 권력을 포착함에 따라 자유와 항의 정신이 연단에 스며든다. 어두운 모티브의 모델이 Paco Rabanne, Pierre Cardin, Thierry Mugler, Hubert de Givenchy의 쇼에 참석하는 동안 디자이너는 아프리카의 모티프에서 영감을 받았습니다. 그 중에는 Vogue와 계약을 체결 한 최초의 아프리카 계 미국인 인 Iman이 있습니다. 무성한 자연 아프리카의 헤어 스타일은 자아 수용과 자존심 그리고 아프리카 문화의 힘의 상징으로 자리 잡고 있으며, 지금도 기억되고 있습니다.

그 당시의 패션은 개방적이고 사회 변화에 잘 받아 들여 졌기 때문에 70 년대 후반부터 디스코, 펑크, 뉴 에이지, 안드로이드, 글램 록, 키치, 쓰레기, 아방가르드, 뉴 매력 그러나 1964 년부터 1975 년까지 기본 옷장과 실용적이지만 세련된 디자인을위한 기반을 마련한 것은 10 년이되었습니다. 그녀는 과거의 엘리트 패션을 스타일의 혼란과 미래의 개념성에서 분리했습니다. 사실, 이것은 현대의 패션이 결여 된 황금색의 의미입니다.

Nicolas Ghesquière는 루이비통의 집에서 고객의 옷장을 재검토했습니다.

현대 디자이너들이이 특별한 시대를 맞아 작업을 시작한 것은 놀라운 일이 아닙니다. 반세기 전의 아이디어는 한때 과거 패션의 위기를 결정한 것처럼 현대 패션의 위기를 해결하는 데 도움이됩니다. 따라서 2014 년 Nicolas Ghesquière는 60 년대 미래 주의자들, 간결하고 기하학적 인 실루엣, 여성스럽고 2010 년대의 지배적 인 미니멀리즘으로 논쟁하지 않는 것들에 대해 처음으로 호소합니다. 따라서, Gesquière는 존경할만한 Louis Vuitton 집의 고객들의 옷장을 다시 생각합니다 : 깔끔하고, 실용적이며, 간결하고, 여성적입니다. Louis Vuitton에서는 3 시즌 동안 부츠, 터틀넥, A 라인 드레스 및 미니 스커트, A 라인 코트, 자른 플레어, 아기 인형 짧은 드레스, 발목 부츠 및 슬림 한 슈트를 볼 수 있습니다. 그러한 안정성을 가진 고객들 만이 행복 할 것 같습니다.

Geskyer 다음으로, 12 개의 브랜드가 미니 및 사다리꼴 드레스뿐만 아니라 플레어, 가죽 코트 및 플랫폼 신발과 나막신이있는 70 번째 모델뿐만 아니라 60 년대 후반의 retrofuturism으로 전환하고 있습니다. 다른 최신 컬렉션을보고이를 확인하십시오. Miu Miu는 크로 셰 뜨개질 조끼, 환각 무늬, 플레어, MSGM 및 베르사체에 플레어, 스키 스웨터, 짧은 스커트 및 플랫폼 슈즈가 있으며 Thomas Tait 및 Calvin Klein에는 조명탄 및 사다리꼴 드레스가 있으며 Carven에는 미니 바지 바지, turtlenecks, Acne - flared와 "aviators", Christian Dior - 화려한 스타킹과 A 라인 드레스, 플라스틱으로 만들어지고 줄무늬가있는 물건. 이 수집품 중에는 바닥에 다양한 잡티와 치마 드레스가 들어있는 히피 스타일이 없으며, 일반적으로 70 년대와 관련되어 있으며 에밀리오 푸치 (Emilio Pucci) 또는 로베르토 카발리 (Roberto Cavalli)와 같은 상업 브랜드 만 제공합니다.

지금이 모든 문화 유산으로 무엇을할까요? 60 년대 후반과 70 년대 초반의 세련된 히트작은 스포츠와 일상 생활과의 결합을 통해 현대 생활에 적응하는 것이 가장 쉽다는 것을 명심해야합니다. 예를 들어, 플레어는 과거의 모습을 너무 전형적으로 표현하며, 활을 가진 본격적인 블라우스보다 간단한 흰색 유니폼 또는 티셔츠를 골라내는 것이 좋습니다. 스니커즈 또는 버크 켄 톡스를 선택하고 플랫폼의 샌들은 선택하지 마십시오. 다른 한편으로는, 60 년대 후반의 조합의 일부 변형은 터틀넥 플러스 미니 스커트, 밝은 색상의 날카로운 발레 플랫, 날카로운 발레 아파트, 사다리꼴 드레스 및 작은 발 뒤꿈치가있는 부츠 등 불멸의 것 같습니다. 이것은 때로 바퀴를 재발 명하는 것이 아니라 회상하는 것이 더 낫다는 것을 증명합니다.

사진 : MOCA, André Courrèges의 호의