봄 - 여름 컬렉션의 XX 세기 예술

일정한 목요일 머리 속에서 앞으로 6 개월 동안 귀하의 옷장에 적용될 수있는 연단에서 추세에 대해 이야기합니다. 이번 호에서는 Prada에서 Prabal Gurung에 이르는 디자이너의 봄 - 여름 콜렉션에 등장한 시즌 아트의 가장 밝은 추세에 대해 다룹니다.

어떻게 시작 됐어?

예술 세계의 아이디어는 항상 옷과 옷감의 디자인에 영향을 미쳤습니다. 1920 년대에는 앙리 마티스 (Henri Matisse)가 이끄는 전위적이고 Fauvists가 패션에 영향을 미쳤는데, 이는 Paul Poiret의 옷에서 찾을 수 있습니다. Madeleine Vionne은 입체파를 좋아하고 옷에 기하학적 모양과 선을 사용했으며, 미래파 예술가 Ernesto Tayat는 그녀의 집 Vionnet에 로고를 디자인했습니다. 30 대 초현실주의에 대한 열정이 왔습니다. Elsa Schiaparelli는 사탕과 땅콩의 형태로 버튼을 만들었고 Salvador Dali와 Jean Cocteau와 친구가되어 가재로 실크 드레스를 입은 자켓을 입고 긴 머리가 슬리브를 감싸 안고 팔을 허리에 감싼 여성을 묘사했습니다. 이러한 아이디어와 다른 아이디어는 러시아어 (Alexander Terekhov Autumn Winter - 2013 년 컬렉션)를 비롯하여 현대 디자이너에서 한 번 이상 등장합니다.

50 년대와 60 년대는 패션, 음악, 예술이 서로 얽혀있는시기가되었으며, 컬러 TV의 출현으로 시각 문화의 돌파구가 완성되었습니다. 동시에 소비, 복제 및 대량 시장 문화가 등장했습니다. 지금까지 그 위치를 잃지 않은 모든 것이 있습니다. 젊은이들은 독창적 인 대학에 진학했으며, 런던과 뉴욕에서는 디자이너, 사진 작가, 모델, 그래픽 또는 패션 디자이너로 유행했습니다. 로큰롤 스톤의 The Who 또는 Keith Richards의 Pete Townsend와 같은 록 스타에 재교육을받은 디자이너들과 예술가들은 모든 가로등 기둥에 등장하는 콘서트 및 앨범 표지용 포스터를 만들었습니다.

리차드 해밀턴 (Richard Hamilton), 로이 리히텐슈타인 (Roy Lichtenstein), 앤디 워홀 (Andy Warhol) 등 팝 아트 아티스트의 이름은 모두를 잘 알고 있습니다. 소비자 사회와 대중 문화를 처음으로 반영하여 소비자와 관심사 (광고, 텔레비전, 팝아트의 아버지는 브리튼 리차드 해밀턴으로 간주됩니다. 그는 가장 먼저 가장 유명한 콜라주를 만들었습니다. "그래서 오늘 우리 집이 그렇게 다른 무엇이 매력적 이죠?" 1956 년 Roy Lichtenstein은 만화와 만화의 이미지를 실험했습니다. 앤디 워홀 (Andy Warhol)은 예술가가되기 전에 일러스트 레이터로 일하면서 뉴욕의 모든 유행 편집 사무소에서 적절한 연결 고리를 얻었으며 다양한 장르의 장르에 녹색 빛을 불어 넣었습니다. Warhol이 후원 한 The Velvet Underground의 John Cale은 최근 72 세에 의류 생산을 재개 한 Betsy Johnson 패션 디자이너와 결혼했습니다. 그 당시 Betsy는 Youthquake 레이블에 따라 재미있는 티셔츠를 만들었고, 매디슨 애비뉴의 Paraphernalia (뉴욕 매뉴팩처스트) 중 한 곳에서 근무했습니다. Edie Sedgwick 및 Warhol과 협력하여 매장의 종이를 그렸습니다. 미니 드레스 및 구매자 가방 (일회용 의류가 유행했다).

60 년대 팝 아트의 전성기 동안, 값 싸고 빠른 디자인이 필요했습니다. 매장은 사람들의 요청에 신속하게 응답했습니다. 예를 들어, Abingdon Road의 Biba 매장은 매주 컬렉션을 업데이트했습니다. 이것은 매스 마켓을 성공적으로 운영하는 기술입니다. 트위기 (Twiggy)는 이렇게 썼다. "모든 것이 유행처럼 빨리 사라졌지만, 모던 한 것만이 매력적이었고, 오래된 모든 것을 밀어 냈습니다."

팝 아트를 무시하는 것은 불가능했습니다. 이브 생 로랑 (Ives Saint Laurent)은 하트, 여성 프로필, 입술과 같은 형태의 응용 프로그램과 함께 최근에 이디 슬리 만 (Edie Slimane)을 해석 한 니트 드레스를 발명했습니다. 1965 년 Saint-Laurent collection "Mondrian"을 발표 한 후, Stephen Willats는 "Changing Sheets"와 비슷한 드레스를 만들었지 만, 신식 비닐로만 만들었습니다. Pierre Cardin은 비닐을 실험했으며, Roy Halston은 1964 년 Warhol의 "Flowers"와 드레스를 만들었습니다. Miuccia Prada는 2013 년 봄 - 여름 컬렉션에서 인용했습니다.

1980 년대 팝 아트 그래피티로 유명한 키스 해링 (Keith Haring)은 뉴욕에서 팝 샵 (Pop Shop)을 열고 그의 작품으로 티셔츠를 판매 할 예정이다. 비비안 웨스트 우드 (Vivienne Westwood)는 영국인이 빛나는 색으로 예술가의 작품을 재현하는 Witches 컬렉션의 80 년대 Haring과 함께 작업 할 예정이며, Haring의 T 셔츠 작품은 Uniqlo 브랜드에 의해 적용되며 뉴욕 현대 미술관과 공동 작업을 발표했습니다. 1991 년에는 대중 미술이 다시 한 번 입증 될 것입니다. 이탈리아의 Gianni Versace는 스텐실 산성 인쇄물 인 Marilyn Monroe와 James Dean이 앤디 워홀 (Andy Warhol)에게 경의를 표하면서 딱 맞는 옷을 만들 것입니다. 호환되지 않는 색상의 보완 물은 모조 다이아몬드와 원단으로 장식 된 쇼걸 스타일의 거위입니다. 젊은 나오미 캠벨 (Daniel Campbell)이이 드레스에 등장 할 예정이며 Condé Nast 회장 니콜라스 콜리지 (Nicholas Coleridge) 회장은 베르사체 고객이 "높은 도덕성"에 부담을 느끼지 않는다는 사실에 주목할 것입니다.

미술에서 영감을 얻은 것들을 착용하는 법

디자이너는 예술을보고, 옷을 입히고, 유명한 예술가 (Bosch 및 Gauguin이 종종 인용 됨)를 복제 한 후 현대 예술가와 공동 작업을하는 첫 번째 시즌이 아닙니다. 그러나 이번 시즌에 고구인 없이는하지 않았지만 팝 아트에 주목했다 (우리는 Aquilano.Rimondi 쇼와 Couture 컬렉션 Maison Martin Margiela에서 그의 작품을 보았다). 60 년대와 팝 아트로 현대 패션과 패션과 예술의 상업화가 관련되어 있습니다. 팝 아트의 가장 두드러진 특징은 프라다 컬렉션이었습니다. Miuccia Prada는 Pierre Morne, Jeanne Detallante, Stinkfish, Gabriel Spectra 등 현대 예술가와 거리 예술가의 작품을 재고했습니다. 또한, 우아한 클러치를 생산하는 여러 브랜드가 인기를 얻고 있습니다. Sarah 's Bag은 Roy Lichtenstein의 작품을 특징으로하며, Yazbukey는 담배 또는 치약의 형태로 밝은 클러치를 만듭니다. 영국 루루 기네스 (Lulu Guinness)는 입술 형태입니다. Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott, Ashish, 팝 아트에서 개가 먹은 곳 : 여기 코카콜라와 TV 예방 차원의 지문.

또한, 다음 시즌 Moschino 컬렉션에서 래퍼 드레스를 보여 주며 1956 년 광고를 위해 창안 된 첫 번째 물건, 즉 최초의 록 팬들이 착용하는 브랜드 로고로 장식 된 midi Martini Label 길이의 드레스 및 스커트를 인용합니다. 무료 축제 음료를위한 롤. 크리스토퍼 케인 (Christopher Kane)은 복제 된 색상의 형태로 인쇄 된 스커트를 만들어 60 년대의 작업을 상기시킵니다. Christian Dior의 Raf Simons는 팝 아트 (popomania)의 기법을 사용합니다. Missoni는 일본 만화에서 영감을 얻었습니다. 겐조 (Kenzo)는 현대적인 그래픽을 인용하고 연필로 스케치합니다. Prabal Gurung은 Marilyn Monroe의 경의를 표합니다. Preen은 드레스 추상화에 적용됩니다.

몇몇 브랜드는 잭슨 폴락 (Jackson Pollock)과 마크 로스 코 (Mark Rothko)의 작품을 중심으로 추상적 표현주의에 의해 즉시 영감을 받았다. 샤넬 (Chanel) 컬렉션에서 라거펠트 (Lagerfeld)는 옷에 밝은 페인트 모양으로 프린트를 인쇄했으며 샤넬 하우스의 상징으로 75 점의 예술 작품으로 장식 공간을 장식했습니다. 전시회 후에 그림, 조각품 및 설치물이 파리의 Grand Palais로 옮겨졌습니다. Jil Sander를 떠나기 전에 Gilles Zander는 최신 모노크롬 봄 - 여름 콜렉션에 추상 지문이 포함 된 여러 활을 포함 시켰습니다. Phoebe Failo가 컬렉션을 발표했습니다. Сéline은 Fauvism과 큰 전시회가 합쳐진 것 같습니다. "앙리 마티스 (Henri Matisse) : 9 월까지 테이트 모던 (Tate Modern)으로가는 Cut-Outs. 캘빈 클라인 (Calvin Klein)조차도 추상적 인 지문 1 장을 포함합니다.

영국의 디자이너 조나단 앤더슨 (Jonathan Anderson)은 비평가들이 오랫동안 생각해 왔던 비영리 컬렉션을 보여 주면서 이렇게 말합니다. "저에게는 패션이 결코 예술 형식이 아니 었습니다. 예술가와 디자이너를 비교할 수 없습니다. 오늘날 패션과 예술 모두 상업화되어 있습니다." 차이점은 예술이 매출에 떨어지는 것이 아니라 오히려 수 년 동안 가격이 상승했지만 희귀 한 복장이 패션 박물관에 도착한다는 것입니다.

알아보기!

소규모 민주주의 브랜드는 오랫동안 상업적 목적으로 예술을 사용하는 것을 좋아하지만 일반적으로 예술을 정면 방식으로 사용합니다. Bosch, Van Gogh 또는 Campbell 수프 캔을 재현 한 모호한 스웨터 또는 가방을 조심하십시오. 값 비싼 치마에 위대한 예술가의 작품을 지불 할 준비가되지 않았다면 추상적 인 지문으로 물건을 선택하는 것이 좋습니다. 예를 들어, Zara 컬렉션에 그러한 것들이 있습니다. 좋은 구매는 현대 예술가들과의 협력에서 나온 것입니다. 그리고 주요한 것을 기억하십시오 - 이상한 일은 신중한 수술이 필요합니다 : 최소한의 것을 결합하고 Joan Aguzarova와 Andrei Bartenev에게 비대해진 편심을 남겨주세요.

사진 : 테이트 모던, 게티 이미지 (4)