컨셉 스토어, 궁전 및 흐루시초프 : 패션이 아키텍처와 상호 작용하는 방식

독특한 패션 제품을 만들려면 디자이너는 골동품 조각, Zaha Hadid 또는 Peter Zumthor의 작품, Timur Novikov 또는 Yves Klein의 그림, Ai Weiwei 또는 Lee Chen 모노리스의 복잡한 디자인, Memphis 그룹의 산업 디자인 - 목록은 끝이 없습니다. 그러나 개념적인 것들과 그들의 홍보는 적절한 상황을 필요로합니다. 즉, 관객과 고객을 컬렉션의 분위기에 완전히 몰입시키기 위해 디자이너는 인상적인 사이트를 찾고 있거나 구축하고 있습니다. 우리는 올해 건축이 현대 미술에 대한 패션 디자이너의 열정을 대체하고 디자이너가 놀라운 건물에서 가이드 역할을하는 이유를 알려줍니다.

조각품, 산업 디자인, 건축술, 유행 - 이들은 모두 20 세기에 종교계가 일하는 교차점 인 인접 지역입니다 : Charles James, Christian Dior, Paco Rabanne, Cristobal Balenciaga. 건축가와 마찬가지로, 의류 디자이너는 사람을위한 껍질을 개발하지만, 이전과는 달리 움직일 수 있도록 설계된 객체를 만듭니다. 매우 논쟁적인 패션의 생생한 예가 패배했다. 1958 년 패션 하우스가 문을 닫은 미국의 패션 예술가 Charles James의 이야기이다. 이 완벽 주의자의 일은 훌륭하게 구성되었지만 옷이 아닌 예술의 대상이었습니다. 시간을 기준으로해도 스스로를 집 전체를 당기는 것과 같았습니다. 그러나 패션 대학의 현대 학생들은 환상적인 디자인을 너무 좋아하여 전임자의 실용성과 슬픈 경험을 잊어 버립니다. 이것은 Royal Saint-Martins, London College of Fashion, Royal College of Art의 최종 작품에서 분명합니다.

크리스챤 디올은 그의 사물 디자인의 심각성과 불편 함에도 불구하고 1950 년대에도 여전히 혁명을 일으켰습니다. 그는 새로운 형태와 여성의 실루엣을 승인했고, 또한 Dior를 믿을 수 없을 정도로 유명하게 만들었습니다. "저는 건축가가되고 싶었습니다. 디자이너로서 건축의 원리를 따르고 있습니다. 드레스를 디자인 할 때는 건축과 중력의 법칙을 고려해야합니다." 오늘날 브랜드 부티크부터 새로운 크리스챤 디올 컬렉션이 나오는 곳까지 모든 것이 패션 하우스의 창립자의 접근 방식을 반영합니다. 가을 컬렉션 컬렉션을 보여주기 위해 추상적 인 기하학적 인 스테인드 글라스 창으로 구성된 공간이 특별하게 디자인되었습니다. 크루즈 컬렉션의 쇼는 1989 년 건축가 안티 로바 그 (Antti Lovag)가 초현실적이고 미래 지향적 인 걸작 "거품의 궁전 (Palace of Bubbles)"의 코트 다 쥐르 (Cote d' Azur)에서 열렸습니다. 컬렉션의 정신과 브랜드의 DNA를 강조하기 위해 모두. 그건 그렇고 구형 현 창문이있는 빌라의 놀라운 상상력은 패션에 추상적 인 디자인과 기하학을 좋아하는 92 세의 피에르 가르뎅에게 달려 있습니다.

오늘은 더 이상 쇼가 될 수 없습니다. 인상적인 풍경과 Chanel 쇼의 엔터테인먼트 시나리오 덕분에 Karl Lagerfeld는 패션에서 멀리 떨어진 사람들에게조차도 알려졌습니다. Lagerfeld 매 시즌 Grand Palais 브래 서리, 슈퍼마켓 안에 도시. 건축가 (뿐만 아니라) 중에서도 Karl은 슈퍼 스타에게 가장 관심이 있습니다. 샤넬이 세계 건축 Zaha Hadid의 주인공과 협력한다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 2008 년에 Zach는 도쿄에서 뉴욕으로 전 세계를 여행 한 샤넬 (Shanel)의 모바일 파빌리온을 디자인했습니다. 2012 년 봄 여름 컬렉션 인 샤넬 (Chanel) 컬렉션을 보여주기 위해 그녀는 그랜드 팔레 (Grand Palais)의 눈 흰 장식을 인상적으로 표현했습니다.

올해 라거펠트 (Lagerfeld)는 2016 년 크루즈 컬렉션 쇼를 서울로 옮겼습니다. 동대문 디자인 플라자 (Dongdaemun Design Plaza)의 거대한 건물로 옮겨졌습니다. 공동 협력을 기다리는 것은 아직 남아 있습니다. 아직도, Zach는 건축에서 기념비적 인 물량을 다루는 것뿐만 아니라 패션 브랜드와도 협력하는 것으로 유명합니다. Zaha는 디자인 웨어러블 가제트, 보석 및 특히 신발 개발에 종사하고 있습니다. Lacoste를위한 United Nude의 운동화 또는 운동화를위한 금속 발목 부츠를 생각해보십시오. 건축가는 현재 adidas Originals 및 Farrell Williams와의 협력 관계에 있습니다.

세계 패션의 또 다른 기둥 인 루이비통은 빌바오에 구겐하임 미술관 (Guggenheim Museum)을 세운 건축가 프랭크 게리 (Frank Gehry)와 협력하여 1990 년대 건물 매력에 패션을 도입했습니다. 작년에 Gehry는 루이비통 창작을위한 화려한 유리 건물을 지었고, 니콜라스 그스 퀴 에르 (Nicolas Ghesquière)가 데뷔 컬렉션을 발표하기 위해 루이비통 부티크의 진열장을 디자인했으며 심지어 Icon과 Iconoclasts 프로젝트의 일부로 가방을 만들었습니다. 이 브랜드는 Hesquiera의 건축 접근 방식을 사물 디자인에 계속 지원합니다. 2016 년 치킨 콜렉션의 경우 루이비통은 한때 미국인 코미디언 밥 호프가 소유하고 캘리포니아 팜스프링 스 사막에 위치한 1950 년대 아르누보 맨션으로 선정되었습니다.

다른 형태의 예술보다 더 많은 건축과 패션은 사람과 관련되어 공공 공간을 형성하고 포화시킵니다.

다른 형태의 예술보다 더 많은 건축과 패션은 사람과 관련되어 공공 공간을 형성하고 포화시킵니다. 이 두 영역이 조화롭게 서로 보완하는 것은 논리적입니다. 그러나 아방가르드 아키텍처는 오늘날보다 실용적인 아키텍처보다 열등합니다. 똑같은 방식으로 전위적인 의류와 신발이 우리 삶과 경제의 광적인 속도에 더 부합하는 간단하고 저렴하며 기능적인 제품으로 대체되고 있습니다. 2008 년 위기 이후, 우주 건축과 실내 디자인 조직이 동시에 DNA 브랜드를 시연하고 판매를 촉진해야하는 미니 걸작 - 부티크를 주문하는 건축가가 점차 늘고 있습니다. 같은 Zaha Hadid는 도쿄의 Neil Barrett 부티크를지었습니다. Norman Foster - London의 Joseph 매장 인 Roksanda Ilincic은 Skolkovo School of Management 프로젝트의 저자 인 London flagstorm 미니멀리스트 David Adjaye의 건설을 명령합니다. 크리스챤 디올의 서울 부티크는 프랑스의 포스트 모던 건축가 크리스티안 드 포르 샹파 크 (Christian de Portzampark)가 디자인 한 것으로, 유명한 프리츠 커 상 (Prizker Prize)을 수상했습니다. 건물은 Christian Dior 드레스에 흐르는 커튼처럼 보입니다.

"인체에 가장 가까운 첫 번째 껍질은 의복이고, 두 번째 껍질은 실내이며, 세 번째 껍질은 사람이 살고있는 도시를 구성하는 건물이기 때문에 패션과 건축은 똑같은 일을하고 있습니다. 디자이너는 건축가처럼 건축가처럼 새로운 인체 공학적 시각 미학이 생겨나 고 아키텍처와 같은 의류가 사람의 심리적 상태에 영향을 줄 수 있습니다. 예를 들어, 보안 감각을 제공 할 수 있습니다. 기상 조건에서부터 그룹 "SPBCH"의 노래에서 - "두건을 넣을 때 더 쉬워진다.", "Galya Chepkina, 모스크바 브랜드 Gaito의 창립자.

건축과 패션의 상호 작용에 대한 또 다른 주목할만한 사례는 프라다가 차고의 새로운 건물을 설계 한 OMA 건축 사무소의 창립자 인 Rem Koolhaas와 10 년 간의 협력 관계입니다. Kolahas는 남녀 모두 Miu Miu뿐 아니라 거의 모든 Prada 쇼를 책임지고 있습니다. 쇼를 위해 건축가는 처음부터 빈 파빌리온을 제작하여 1990 년대의 정신으로 나이트 클럽으로 바꾼 다음 이상적인 집 또는 수영장으로 바꿔 놓습니다. Kolkhas와 Prada는 더 큰 프로젝트에서 협력합니다. 2009 년 OMA는 프라다 (Prada)의 변압기 전문 매장을 서울에 건설했으며, 최근 밀라노의 프라다 재단 (Prada Foundation) 아트 센터를 완성했습니다. Kolkhas 국은 오래된 증류소를 구식과 신축을 결합한 새로운 예술 센터로 변모 시켰습니다. 프라다 재단의 아트 센터는 현대 건축물이 어떻게 민주화 및 분권화, 잘 생각하고 겸손한 건물, 그리고 토지와 기존 건물에 대한 존중으로 나아 갔는지 보여주는 예입니다.

오늘날 패션 하우스의 경우 개발의 논리적 단계는 환경의 사용이며 패션은 도시화, 컴퓨터 모델링과 동맹을 맺습니다. 도장은 도시 공간과 건물의 개발을 위해 적극적으로 사용됩니다. 올해는 2016 년 크루즈 컬렉션을 선보이면서 구찌는 20 세기의 가장 상징적 인 도시 경관의 배경, 즉 뉴욕의 건축물을 10 번째 및 11 번째 도로로 안내하는 배경을 선택했습니다. 따라서 Gucci는 Alessandro Michele이 우리 시대의 가장 역동적 인 도시 중 한 곳의 거리에서 얼마나 대담한 스타일을 보여줄지를 보여주었습니다. 물론, "패션은 거리에서 왔고 거리로 돌아온다"는 생각은 새로운 것이 아닙니다. 90 년대 중반의 X-Girl 쇼와 Marc Jacobs의 쇼에서 Soho 거리에서 Chloe Sevigny는 80 년대의 그룹 "Buffalo", Chloe Sevigny의 거리 쇼를 회상하기에 충분합니다. 그러나 오늘날에도 컨셉 트위스트 유리와 콘크리트의 배경보다는 일반 거리에서 옷을보고 싶어합니다.

피렌체 전시회 Pitti Uomo의 주최자는 건축물과 상호 작용할 수있는 완벽한 방법을 발견했습니다. 그리고 우리는 전체 도시에 대해 이야기하고 있습니다. 스탬프는 고대 이탈리아의 안뜰, 무성한 정원, 바로크 궁전을 마스터합니다. 그래서, 포트 1961은 올해 Onisanti Square에있는 Florence의 거리에서 새로운 남성 컬렉션을 선보였습니다. 모스 키노 (Moschino)는 17 세기의 오래된 궁전 인 코르시니 (Cazzini)의 바로크 식 방으로 올라갔습니다. Kilgour는 피렌체의 중심에있는 Medici 가족 궁전에서 물건을 보여주었습니다. "직물의 도움을 받아 신체 구조에 대해 연구하고 있습니다. 모양, 기능 및 정확한 형상이 옷을 만드는 데 핵심입니다."조각가로 시작한 Kilgour 크리에이티브 디렉터 인 Carlo Brandelli는 다음과 같이 말합니다. "건축은 당신이 살아야하는 환경을 조성합니다. . 따라서, 최소한의 프리젠 테이션 형식 : 투명한 유리 미궁이 메디치 궁전의 바로크 장식에 배치되었습니다.이 궁전에서는 완벽하게 맞춤 설정된 킬 고어 의상을 입은 남자가 홀로있었습니다.

또 다른 예로는 캐나다에서 가장 유명한 패션 회사 인 LVMH에서 1 년 전에 보조금을 수령 한 Pitti Uomo의 디자이너 Thomas Tate가 있습니다. 사물의 건축 설계와 가까운 Thomas는 건축가 인 Mehrnush Hadwi와 협력했습니다. 함께 그들은 LED 귀고리, 초현실적 인 부츠, 가장 얇은 상판과 거친 재킷이 말 그대로 공기에 떠있는 Boboli 정원에 거울 복도를 만들었습니다. Hadwi 뒤에 - 뉴욕 부티크 Nicholas Kirkwood에서 일합니다. 테이트의 프리젠 테이션을위한 장소는 부분적으로 부티크의 미니멀리스트 공간을 연상 시켰고, 동시에 전시회에서는 어려운 맞춤식 작업에 관심을 기울였습니다. 사실, 그것은 젊은 브랜드의 완벽한 형식을 보여주었습니다. 이는 사물의 놀라운 성능을 보여줍니다. Tate는 사람들이 각 일을 자세히보고 만지기를 원했습니다.

인상적인 쇼 플레이스는 이야기하고 자세히 보여주는 신화를 보완합니다.

인상적인 장소는 사물의 신화를 보완하고 자세히 보여줍니다. 진보적 인 러시아 브랜드 제작자들도이 점을 이해합니다 : 우선, Rubchinsky의 쇼는 Sokolniki의 경기장과 Baumanskaya의 교회뿐만 아니라 Neskuchny Garden의 Orlov 여름 하우스와 예술가의 중앙 건축가 건물의 구성 주의자 건물에서의 부끄러움의 길잡이를 염두에 둡니다. 동시에 러시아 패션 위크의 Manezh 또는 Gostiny Dvor의 얼굴없는 긴 연단은 다양한 브랜드의 퍼레이드로 기억되고 싶지 않습니다. 주최측은 역사적인 공간과의 상호 작용을 마지막으로 생각하고 단지 평방 미터로 인식하는 것이 분명합니다.

"건축과 패션은 항상 신체와 상호 작용합니다. 패션은 직접 접촉하고, 건축은 사람을 공간으로 흡수합니다. 두 경우 모두 자신, 기분, 해방 또는 억압에 대한 감각을 결정합니다. 이들은 분리 할 수없는 개념입니다. 새 드레스를 구입하자마자, 건축가 학위를 취득한 Alisa Kuzembaeva 젊은 러시아 디자이너는 옷장을 새롭게 단장하여 개조 공사를 마쳤습니다. "매일 우리는 우리가 비교하는 것을합니다. 돌풍과 우리의 옷장은 집 밖으로 갈 때. " 실제로 의류는 착용하는 매체와 별도로 인식 할 수 없습니다.

바우 하우스 스쿨 (Bauhaus School)에서는 비정상적인 공간이 사람들 사이의 의사 소통을 변화시키고 이러한 건물 덕분에 사회는 미래에 더욱 진보적이며 인류애 적으로 변할 것이라고 믿었습니다. 부분적으로는 유행에도 그러한 사명을 부여 할 수 있습니다. 우리는 본질적으로 시간이 지남에 따라 변화하는 아이디어, 즉 건물과 옷을 착용하는 사람들이 눈에 보이지만 항상 의식이없는 누에 고치를 만드는 것처럼 조화를 이루기 위해 노력합니다. 결과적으로 두 가지 모두 도시 환경을보다 잘 변형시키고 공격적이고 비우호적 인 분위기로 만들 수 있습니다. 그래서 세계화 또는 보편성을 달성하기에 너무 열심 인 디자이너는 항상 옷을 입고 착용 할 수있는 환경을 기억해야합니다. 그래서 거리의 이탈리아 패션은 미국인이나 일본인과 러시아인, 러시아인과 다를 것입니다. 결국, 바로크 금은 "곱슬"궁전을 들여다 보는 것이 가장 좋으며, 모스크바 구성주의와 흐루 쇼프는 너무나 아름다운 아름다운 운동화, 편안한 운동과 단단한 형태의 복장이 완벽합니다.

사진 : Shutterstock (Pierre Cardin의 호의), (Dior의 의례), indigitalitalia.com/Pitti Uomo, AKAstudio-collective / Pitti Uomo